Critique : Dans « Amour », mettre un lauréat de la Palme d'Or sur scène

Supporté par

Une adaptation du film de Michael Haneke de 2012 au Festival de Salzbourg évite le réalisme cinématographique et adopte plutôt une approche très stylisée.

Par AJ Goldmann

Le critique AJ Goldmann a assisté à la première du spectacle à Salzbourg, en Autriche.

« Comment puis-je parler d'amour quand je suis mort ? » lance une réplique puissante dans « Amour », une adaptation scénique du film de Michael Haneke de 2012 dont la première a eu lieu dimanche au Festival de Salzbourg, en Autriche.

L'amour et la mort sont bien sûr les deux grands thèmes de l'art, mais rarement ils ont été réunis de manière aussi obsédante que dans le film de Haneke, portrait d'un couple de personnes âgées obligé de se confronter à la question de savoir quand la vie ne vaut plus la peine d'être vécue. Raconté dans le style sévère typique de Haneke, le film a valu au réalisateur autrichien une Palme d'Or au Festival de Cannes et un Oscar du meilleur film en langue étrangère.

Karin Henkel, la réalisatrice de l'adaptation, évite le réalisme du film, optant à la place pour une mise en scène hautement stylisée et consciemment artificielle qui atteint son impact viscéral grâce à une combinaison de techniques d'éloignement brechtienne, de performances émotionnellement dénudées et de monologues biographiques écrits par des figurants sur scène.

Henkel a remporté un triomphe à Salzbourg il y a deux étés avec « Richard le Kid et le roi », une vaste épopée du monarque sanguinaire de Shakespeare qui a duré quatre heures. «Amour» de la réalisatrice allemande – une coproduction avec le théâtre Münchner Kammerspiele, à Munich, où il sera projeté fin octobre – est aussi touchant et tendre que sa précédente prestation à Salzbourg était sinistrement sauvage.

Au début de la production, la scène est dominée par un tunnel blanc, dont l'intérieur immaculé et antiseptique est progressivement sali : ses murs sont écrits avec de la peinture noire aqueuse, son sol est taché par une épaisse encre noire qui coule sur les interprètes et des monticules de terre sèche qui tombe en tas du plafond. L'un des personnages est allongé sur un lit d'hôpital à structure métallique qui commence à ressembler à un appareil de torture médiéval lorsqu'il est actionné par une infirmière zélée.

Le tunnel, avec ses associations cliniques, est finalement démantelé, révélant une scène sans fioritures parsemée d'un assortiment de chaises, d'un piano, de pieds de microphone et de lumières de scène. La scénographie de Muriel Gerstner est une négociation constante entre des objets stériles du quotidien (fortement éclairés par Stephan Mariani) et des images élémentaires de terre, d'eau et de fleurs.

Cependant, comme le film, cette réinvention d’« Amour » est ancrée dans ses deux performances centrales. Contrairement au film, qui mettait en vedette deux grands du cinéma français vieillissants, la version scénique est enflammée par une dose de casting contre-intuitif.

Katharina Bach, qui n'a que 38 ans, apporte une vitalité inattendue et un profond pathétique à son portrait d'Anne, une professeure de musique âgée paralysée par un accident vasculaire cérébral. (Emmanuelle Riva avait environ 80 ans lorsqu'elle a joué le même rôle dans le film de Haneke.) La performance de Bach est une performance agitée et tourmentée, marquée par un contrôle physique et dramatique intense. Dans le rôle de Georges, le mari toujours vigoureux d'Anne, André Jung, 69 ans, apporte un esprit aigri et provocant qui constitue un départ réfléchi par rapport à la performance douloureuse et subtile de Jean-Louis Trintignant dans le film.

L'adaptation scénique en langue allemande, réalisée par Henkel et le dramaturge Tobias Schuster, est étroitement liée au scénario français. En même temps, ils emploient des stratégies pour défamiliariser la pièce. Le dialogue est renforcé par des répétitions fréquentes, souvent étranges. Et de nombreuses mises en scène du scénario sont lues à haute voix par deux acteurs, Joyce Sanhá et Christian Löber, dont les performances souples – en tant que narrateurs, infirmières et autres personnages – ajoutent à l'énergie anxieuse et décalée de la production.

Le plus grand pari de Henkel est d'inclure un chœur de douze figurants non professionnels. Chacun d'eux est âgé, infirme ou en deuil et, même s'ils ne parlent pas beaucoup sur scène, ils ont écrit des témoignages émouvants sur le fait de vivre avec des problèmes de santé ou de perdre des êtres chers à cause de la maladie, récités sous forme de monologues par le casting principal. Entre de mauvaises mains de réalisateur, ce type d’intervention aurait facilement pu se transformer en sentimentalité. Mais ici, la charge émotionnelle de ces témoignages est contrebalancée par la litote et la retenue. De la même manière, la description et la discussion de l'euthanasie dans la production, bien que parfois choquantes, résistent à la moralisation.